"La seule façon de comprendre un personnage, c'est par soi-même."
Élia Kazan
À propos
le studio
Studio Agarté est un terrain de formation d'acteur avec une spécialisation en travail de caméra, situé au coeur de Paris. Notre dévouement découle d'années d'expérience pratique et d'une véritable l'amour du cinéma.
Nous préparons les acteurs manifester la vision du réalisateur en lui fournissant des techniques de jeu efficaces et pragmatiques, ainsi qu'une compréhension de la dynamique, du langage et des exigences de la caméra. Simultanément, nous assistons les réalisateurs pour mieux comprendre le point de vue de l'acteur, permettant ainsi une communication plus efficace et l'obtention de la performance souhaitée.
Nous insufflons la vie aux personnages grâce à une vulnérabilité créative. À la base, nous cultivons le charisme cinématographique.
Chez Agarte Studio, chacun trouvera un environnement favorable, sûr, collaboratif et sans jugement qui nourrit la confiance et libère le potentiel cinématographique de chaque participant. Rejoindre Agarte Studio offre une opportunité unique d’explorer l’art du jeu devant la caméra aux côtés d’une communauté de personnes partageant les mêmes idées.
Offres Studio Agarte cours pour tous les niveaux de compétence , from rookies to amateurs to professionals. We prioritize quality over quantity we choose to limit the number of participants to ensure personalised attention and full immersion in the craft.
Pour maintenir ce niveau de profondeur et de concentration, les nouveaux étudiants doivent passer une audition avant de recevoir une invitation à rejoindre les ateliers. Cela garantit un groupe cohésif où chaque participant est prêt et engagé dans le travail.
Les cours ont lieu en anglais en raison des participants internationaux, mais chaque participant est invité à travailler dans sa langue préférée. Nous parlons couramment l'anglais, le français, l'italien et l'espagnol.
Our
philosophie
Agir, c'est une expérience dans laquelle l'acteur doit naviguer un équilibre délicat des contraires – un jeu constant entre technique et intuition, contrôle et spontanéité, recherche du libre arbitre dans le déterminisme causal. C'est l'art de trouver la vérité dans les limites d'un récit scénarisé, le faisant paraître facile tout en équilibrant les complexités de l'émotion et de l'artisanat cinématographique.
C'est une forme d'art dynamique. Le résultat final d'une prise représente le degré maximum de compétence et de disponibilité émotionnelle de l'acteur à ce moment précis, sculpté dans le temps.
Nous pensons qu’il y a trois étapes principales dans le métier d’acteur :
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Première étape : se connaître
Avant d'être acteurs, nous sommes des êtres humains, et comme tout être humain, nous portons avec nous nos blocages personnels, nos tensions, notre méfiance émotionnelle, notre jugement de soi et nos inhibitions. Tous ces sous-produits de la peur limitent notre expression personnelle, ont un impact sur le corps et renforcent une caractérisation unique qui est nous, dans notre vie quotidienne.
But to journey into the character’s core, to unveil the character’s psyche, or soul, les acteurs doivent se libérer, ils ont besoin de se comprendre en profondeur pour s'adapter à différentes circonstances (données), en s'éloignant constamment de leur zone de confort donnée par les habitudes cristallisées et les routines quotidiennes.
S'il existe un procédé relativement simple et spécifique pour incarner un personnage initialement créé sur une page blanche, parvenir à l’harmonie dans l’exécution nécessite le développement de capacités telles que l’intuition, l’empathie, l’enthousiasme et la confiance à travers un processus d’essais et d’erreurs. C'est une compréhension pratique qui doit évoluer de jour en jour. Cela demande une forte volonté de se connaître.
Deuxième étape : tout ressentir, exprimer l'indispensable
Est-il utile, voire nécessaire, que l’acteur soit émotionnellement engagé lorsqu’il joue ? Cette question fait l'objet d'études depuis des siècles, mais comme les êtres humains en bonne santé vivent constamment des états émotionnels, nous pensons qu'il est impossible d'exclure les émotions d'une scène. La principale différence est de savoir si l’émotion ressentie par l’acteur correspond ou non aux besoins du personnage. Dans les deux cas, l’acteur est affecté par un état émotionnel. C'est pourquoi nous nous entraînons à ressentir les émotions sans être altérés, alimentés ou limités par elles, mais à les convoquer en nous pour les laisser couler de manière transparente dans la caméra.
Il est important de vivre une démarche de développement des compétences et de libération des contraintes souvent auto-imposées. Le corps doit être entraîné et détendu, l’esprit doit être vif et conscient, et l’âme doit être mise à nu par la voix et les yeux. Une présence indivise est essentielle pour atteindre une liberté absolue à l’écran et un haut degré de discernement est nécessaire pour faire des choix créatifs. Chaque spectateur est intrinsèquement sensible à l'honnêteté et à la tromperie, c'est pourquoi l'écran exige une vérité physique et émotionnelle.
Troisième étape : à votre façon
Lors de nos cours et ateliers, nous traitons la vie émotionnelle avec le plus grand soin et respect en fournissant un coaching personnalisé adapté aux besoins spécifiques de chaque acteur, pour apporter de la clarté et ainsi surmonter les incertitudes. Un acteur peut posséder une présence naturelle sur scène mais avoir des difficultés avec sa disponibilité émotionnelle, tandis qu'un autre peut devenir trop émotif et oublier sa voix. Pourtant, quelqu’un d’autre devra peut-être se concentrer sur la connexion avec le texte. Dans chaque cas, le développement d’une saine confiance est essentiel.
Nous nous entraînons à écouter et à observer, à être présents et conscients, en perfectionnant l'intuition pour permettre à la technique de danser avec intelligence et une véritable vie affective. Ce sont les compétences subtiles que nous visons à développer chez Agarte Studio.
Nous aidons les acteurs à trouver le leur manière d'expression personnelle.
Meet the Director
INT. JOUR - MATIN - STUDIO AGARTE
Antonio a commencé à jouer à l'âge de 13 ans dans une petite ville du nord-ouest de l'Italie. Ancien élève de la prestigieuse Académie américaine des arts dramatiques, il est formé classiquement au système Stanislavsky, à la technique Meisner, aux Viewpoints d'Anne Bogart et à la méthode de Tadashi Suzuki. À Los Angeles, Antonio a approfondi son métier en travaillant en étroite collaboration sous la direction directe du coach par intérim le plus apprécié et respecté Eric Morris. A Tokyo, Antonio se forme au théâtre classique japonais Noh, dans le style de l'école Kita.
Inspiré par le travail de Kazan, Boleslavsky, Meyerhold et AS Neill, entre autres merveilleux pédagogues, il a commencé à développer une vision personnelle et moderne de l'enseignement du métier évanescent du théâtre. Après des années de pratique du théâtre, mettant en scène ses propres pièces et dirigeant celles des autres, il passe derrière la caméra.
Il a travaillé en Corée du Sud, aux États-Unis et en Europe. Il partage sa passion du jeu et de la mise en scène en enseignant des modules et des masterclass au Cours Florent et à Sorbonne Université. Il est le fondateur d'Agarte Studio.
Il collabore actuellement avec le dramaturge américain Matthew Gasda.
TECHNIQUE
Pour décrire le grand acteur japonais Toshiro Mifune, réalisateur visionnaire Akira Kurosawa a dit: « Il avait un genre de talent que je n’avais jamais rencontré auparavant dans le monde du cinéma japonais. C'était surtout la rapidité avec laquelle il s'exprimait qui était stupéfiant. L’acteur japonais ordinaire peut avoir besoin de dix pieds de pellicule pour faire passer une impression ; Mifune n’avait besoin que d’un mètre.
Quand les films étaient tournés sur celluloïd, les acteurs devaient être prêts à livrer la meilleure prise avec précision, car chaque prise consommait des mètres de film et coûtait énormément. À l'ère du numérique, avec un nombre presque infini de prises à disposition d'une production, les acteurs auraient peut-être perdu la capacité de fournir une performance précise dans les plus brefs délais. Chez Agarte Studio, nous visons à restaurer cet ensemble de compétences.
Ce faisant, l'acteur développe confiance et créativité, s'habituant à faire confiance à son instinct tout en maintenant un forte maîtrise technique et qualité des actions. Même s'il peut y avoir de nombreuses manières d'aborder une scène, une seule vision artistique est au service de la narration dans sa globalité, au cinéma, celle du réalisateur.
Notre travail se concentre sur :
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Respiration et mouvement créatif
Dans le règne animal des mammifères, la respiration est possible grâce au mouvement du muscle squelettique appelé diaphragme. Le diaphragme est situé juste en dessous des poumons. Plus nous sommes stressés, plus un mouvement du diaphragme non entraîné en est impacté. La respiration est le seul acte volitif capable de réguler à volonté les pensées et les émotions. Respirer signifie être. Le mouvement et la respiration sont liés, l’un sans l’autre ne peut exister. Sortir des schémas et des routines quotidiennes est nécessaire pour que les acteurs agissent au-delà de leurs habitudes personnelles. Nous entraînons la respiration et le mouvement pour améliorer la conscience, l'attention et être aussi libre que possible à tout moment.
Voix et expression
La voix est un instrument de musique où les cordes vocales expriment l'âme et le travail du diaphragme exprime l'état d'esprit et la vie émotionnelle du joueur. Nous communiquons verbalement pour exprimer des pensées et des idées et à travers la qualité du son - le grain de la voix - we express how we feel deep inside. Even if cinema is a visual art form, when a piece of dialogue is spoken the actor is required to find the balance between his personal emotional life and the character’s words. The voice is key to harmony.
Développement de personnage
Il y a d’abord l’individu qui devient acteur, et l’acteur qui devient rôle, personnage. Les personnages diffèrent souvent considérablement des individus qui les représentent.v Il est essentiel d'acquérir les compétences nécessaires pour entreprendre une transformation organique, avec engagement et précision, pour donner vie à un personnage, pour faire d'une nature étrangère une seconde nature ; s'écoulant de manière transparente. Il est important de créer la réalité d'un individu, d'un être humain, qui s'exprime.
Disponibilité émotionnelle
Les bons scénarios, personnages et films engagent constamment le public à un niveau émotionnel fondamental. Les acteurs doivent maîtriser les étapes et processus nécessaires pour devenir émotionnellement disponible au bon moment, avec différents degrés de résultats et de conséquences, dont la gestion demande aussi à être apprise.
Langue de la caméra
La caméra est un partenaire de scène muet qui regarde l'âme de l'acteur à travers ses yeux et même les mouvements et les altérations les plus subtils. La caméra fixe les règles du jeu. Dans une bonne cinématographie, chaque angle de caméra, mouvement et taille de plan véhicule une signification unique, soutenant la narration. Pour maîtriser le langage de la caméra – la narration cinématographique – pourrait facilement faire pour un acteur la différence entre une performance poignante ou sans intérêt.
La caméra sert d'observateur neutre et sans jugement qui capture toutes les nuances du corps et de l'âme de l'acteur. Pendant nos cours, nous filmons et regardons, analysons et interprétons pour améliorer l'expérience, la confiance et la compréhension. Nous nous entraînons pour offrir les meilleures performances dans n’importe quel contexte et exploitons à notre avantage les restrictions créatives liées aux mouvements de la caméra, à la taille des prises de vue et aux objectifs focaux. Nous filmons aussi bien en statique qu'en mouvement.
Exégèse de texte et écriture créative
Nous travaillons sur l'interprétation critique du texte et du sous-texte, en visant pour dévoiler ses thèmes, son symbolisme, ses dynamiques cachées et ses messages souhaités. Notre objectif est de développer une compréhension globale de toutes les options de sous-texte disponibles et d’explorer les moyens de s’y connecter et de les exprimer.
L'écriture de scènes implique résolution créative de problèmes, une compétence précieuse pour les acteurs. Cela les incite à réfléchir de manière critique aux motivations des personnages, au développement de l’intrigue et au dialogue, ce qui peut grandement bénéficier à leur travail d’acteur.
Nô Kata
Nous intégrons les fondamentaux de la pratique du théâtre Nô japonais dans notre formation, pour contrebalancer la spontanéité des mouvements et des impulsions par la discipline corporelle et conscience physique. À Tokyo, Antonio s'est formé au théâtre classique japonais Noh, style Kita School.
Programme
Two-Weekend Film Acting Workshop
Two-Weekend Film Acting Workshop
Discover the program →
2 weekends → 4 days – 40 hours → 450€
The weekend of June 8-9 features Monologue sessions, while the following weekend, June 15-16, focuses on Scene sessions. Each session is tailored to specific aspects of the craft.
Audition required before admission: → Réservez votre audition
Cinematic Monday Acting Class
Cinematic Monday Acting Class
Discover the program →
Weekly class designed to provide a regular and reliable camera practice.
All rehearsals are filmed, watched, and analyzed.
150€ per month → 18 monthly hours.
Audition obligatoire avant l'admission → Réservez votre audition
Séances individuelles
Séances individuelles
→ réservez votre séance individuelle
Coaching individuel. Les images seront fournies à la fin de la séance.
Atelier de groupe personnalisé
Atelier de groupe personnalisé
→ Merci de nous contacter pour un devis
Il est possible de concevoir des formats d'ateliers répondant aux besoins spécifiques de différents regroupements.
Si vous êtes intéressé, veuillez fournir les détails suivants :
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Objectifs de l'atelier
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Dates et horaires des ateliers
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Lieu de l'atelier (ville et pays)
On-set Coaching & Consulting
On-set Coaching & Consulting
→ Merci de nous contacter pour un devis (demandes de production uniquement).
"La caméra est implacable, bien plus que le public du théâtre, elle lit en vous. La caméra peut être complice."
Marcello Mastroianni
Témoignages
Éric Morris
« La clairvoyance d'Antonio lui permet de percevoir les reflets, les tons et les nuances du personnage qu'il crée, ce qui rend son travail remarquable et profond. Son engagement artistique et sa sensibilité créative le guident dans une approche intelligente et polyvalente de la vie scénique. La qualité de son travail est incroyablement efficace.
Matthieu Gasda
« Antonio possède une capacité unique à prendre l'essence d'une histoire et à la traduire de manière transparente à l'écran tout en préservant la profondeur et l'authenticité de l'œuvre originale. Son dévouement à notre collaboration était inébranlable, et ses idées approfondies et sa contribution créative ont élevé ma pièce vers de nouveaux sommets dans son adaptation scénaristique.
Sabina Gregoretti
« Ses compétences techniques et son approche profondément perspicace changent la donne. »
Julie Vatain-Corfdir
« L'approche pédagogique d'Antonio est un mélange mesuré d'incitations précises et pratiques et de méditations réfléchies et introspectives sur l'art du jeu d'acteur à travers les écoles et les techniques. Bien que maître de son métier, son attitude est de positionner judicieusement ses conseils au service du texte et de l'acteur. Lorsqu'il a animé une masterclass avec des étudiants en sciences humaines de Sorbonne Université, il a immédiatement su créer un climat de confiance, où les étudiants se sont rendus disponibles aux émotions du personnage même si cela impliquait de prendre des risques. Sans surprise, les étudiants ont immédiatement réclamé d’autres ateliers.
Voir plus de témoignages
Louis Powell
«Antonio m'a appris à croire et à me faire confiance. Il m'a aidé à me dépasser pour atteindre mes objectifs. Un excellent coach de théâtre.
René Burleigh
« Agir est un défi. Souvent, il faut déterrer des parties enfouies en soi et les faire remonter à la surface pour livrer une prestation crédible. Pour moi, c'est là qu'Antonio excelle. Il a le don de vous confronter à vous-même, de vous aider à éliminer les artifices que vous avez construits, à libérer des vérités intérieures qui peuvent donner vie à un personnage devant la caméra. Et il le fait avec un respect sans faille, pour vous et pour toute la classe, ce qui garantit que vous apprenez dans un espace sécurisé.
Il est perspicace – à la fois de l’acteur et du personnage sur une page – et il vous guide du mécanique (blocage) au psychologique (sous-texte). Ajoutez à cela une appréciation éclairée du cinéma sous de nombreux horizons et une attention sans faille et vous pouvez être assuré de vivre une expérience précieuse et enrichissante dans sa classe. N'hésitez pas.
Victoria Leroux
« La véritable application d'Antonio sans aucune once de jugement, sa passion authentique pour le cinéma et les techniques du jeu d'acteur, sa vive curiosité pour les gens et son sens profond de la pédagogie ne sont qu'inspirants. En plus de 10 ans de cours de théâtre, je n'ai jamais autant appris que dans sa classe ; quoi que fasse Antonio – alias « Le Sorcier » – : CELA MARCHE ! »
Elvire Brisset
« Antonio apporte plus dans la classe que la simple « théorie du jeu d'acteur », il relie tout cela à notre expérience humaine réelle. être humain. C'est une approche très intelligente. J'étais 100% satisfait de l'atelier et puissamment impressionné par son travail en tant qu'enseignant et directeur.
Margot K.
« Merci pour votre manière sensible, empathique et positive de diriger sans jamais rien pousser ni forcer. Je me sentais libre et en sécurité à la fois. Bon travail. Je suis heureux d'avoir eu l'occasion de découvrir ainsi la caméra et la réalisation. Merci également pour votre approche, votre vision du métier de Directeur, chacun a apporté quelque chose à l'atelier et vous nous avez montré les bons conseils permettant de le révéler dans un environnement de confiance.
Joanna Charyt
Antonio est un professeur de théâtre très expérimenté. Il m'a recentré sur des bases cruciales telles que le mouvement du corps et la respiration. Ses paroles ont brisé mon entêtement et ses connaissances sont très impressionnantes.
Je recommanderais ses cours à tous ceux qui n'ont pas peur des nouveaux défis et souhaitent apprendre à se connaître.
FAQ
Qu'est-ce qui distingue Agarte Studio des écoles de théâtre traditionnelles ?
Chez Agarte Studio, nous nous concentrons exclusivement sur le travail de caméra. Nous mettons à disposition un espace où les acteurs peuvent suivre une formation continue devant la caméra, pour continuer à s'améliorer. En expérimentant, observant et disséquant constamment leurs performances, les acteurs acquerront une compréhension claire du métier d'acteur et du médium avec lequel ils travaillent.
Agarte Studio est également un terrain de formation pour les réalisateurs. Weather est un acteur fasciné par le département de mise en scène ou un réalisateur intéressé à améliorer la compréhension pratique du jeu d'acteur, nous fournissons des conseils, de la pratique et des connaissances pour faciliter la réalisation de leur intérêt.
Un autre aspect est la philosophie différente dans le choix des personnes avec qui travailler. Si les écoles et académies de théâtre offrent des expériences précieuses avec des camarades de classe issus d’horizons et d’aspirations divers, elles peuvent également être composées d’individus aux niveaux d’engagement contrastés. Au Studio Agarte, chaque étudiant est soigneusement choisi pour sa volonté commune d'explorer des tâches et du matériel stimulants. Cela crée un environnement ciblé dans lequel tous les participants sont dévoués et capables de s'engager pleinement dans le processus d'apprentissage, garantissant ainsi une expérience cohérente et sûre. Peu importe si Agarte Studio accueille un débutant ou un acteur professionnel dans le même atelier, car tout le monde profite du travail de chacun. Agarte Studio est et restera un atelier boutique, pour garantir la plus haute qualité possible à ses étudiants.
Agarte Studio est un nouveau terrain d'entraînement à Paris, mais s'appuie sur plus de 25 années d'expérience dans le domaine, dont 12 années d'enseignement auprès de centaines d'acteurs.
Les acteurs qui travaillent ont-ils besoin de formation ?
« Une fois atteint un certain poste, l’acteur ne fait plus ses devoirs. Prenez un jeune acteur, informe, sous-développé, mais débordant de talent, plein de possibilités latentes.
Très vite, il découvre ce qu'il peut faire et, après avoir surmonté ses premières difficultés, avec un peu de chance, il peut se retrouver dans la position enviable d'exercer un travail qu'il aime, de le faire bien tout en étant payé et admiré. . S’il veut se développer, la prochaine étape doit être d’aller au-delà de sa portée apparente et de commencer à explorer ce qui est réellement difficile. Mais personne n’a le temps pour ce genre de problème. Ses amis ne lui servent pas à grand-chose, ses parents ne connaissent probablement pas grand-chose de son art, et son agent, qui a beau être bien intentionné et intelligent, n'est pas là pour le guider au-delà des bonnes offres de bonnes pièces vers un vague autre chose qui serait encore mieux. Construction de carrière et développement artistique ne vont pas nécessairement de pair ; souvent, l'acteur, à mesure que sa carrière grandit, commence à réaliser un travail de plus en plus similaire. C’est une histoire misérable, et toutes les exceptions brouillent la vérité.
Comment l’acteur moyen passe-t-il ses journées ? Bien sûr, c'est un large éventail : de rester au lit, boire, aller chez le coiffeur, chez l'agent, filmer, enregistrer, lire, parfois étudier ; même, ces derniers temps, en jouant un peu avec la politique. Mais que son emploi du temps soit frivole ou sérieux n'a aucune importance : ce qu'il fait n'a guère de rapport avec sa préoccupation principale – ne pas rester immobile en tant qu'acteur – ce qui signifie ne pas rester immobile en tant qu'être humain, ce qui signifie un travail destiné à son propre bien. croissance artistique – et où un tel travail peut-il avoir lieu ?
Extrait de « L'espace vide » de Peter Brook.
Pourquoi Agarte Studio propose-t-il des rencontres gratuites avec des professionnels du secteur ?
Nous organisons des rencontres avec des professionnels de l'industrie tels que des directeurs de casting, des agents, des producteurs, des auteurs, des acteurs et des réalisateurs. Ces séances sont ouvertes au public et la participation se fait gratuitement selon le principe du premier arrivé, premier servi.
Cette approche est ancrée dans les principes d’accessibilité, de développement des talents et de collaboration.
Nous opérons avec la plus grande intégrité et, en tant que tel, il n'y a aucun conflit d'intérêts : notre objectif est uniquement de fournir une plate-forme solidaire et équitable où les talents bruts peuvent acquérir de l'expérience et où les professionnels de l'industrie peuvent se connecter avec les meilleurs acteurs émergents.
Ce dévouement améliore non seulement la réputation de notre atelier, mais contribue également activement à la croissance et à la diversité de l'industrie du divertissement.
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